Mia irmana fremosa: un lenguaje compositivo




Isaac Newton (1643-1727) escribió una frase a Robert Hooke en la que hacía mención a sus predecesores, tales como Copérnico, Galileo o Kepler; esta cita decía: “si he visto más lejos es porque estoy sentado sobre los hombros de gigantes”; Mia irmana fremosa intenta ser fiel a estos principios. Estos principios los encontramos en la propia estructura musical, ideas que han servido como hoja de ruta para la elaboración de esta obra.


Carlos Monreal, en su libro de Qué es la creatividad (1997) define la misma como “la capacidad de utilizar la información y los conocimientos de forma nueva, y de encontrar soluciones divergentes para los problemas”. Siguiendo con esta definición, en la obra he intentado plasmar la información (mis conocimientos de las fuentes) para crear algo nuevo. Pero, ¿qué encontramos en las fuentes? La obra original de Martín Códax se escribe en un contexto de gran relevancia artística. Aunque con algunas dudas notacionales acerca del ritmo, las alturas y la prosodia del texto literario revelan una gran riqueza musical.


Por tanto, la tarea de escribir polifonía para el texto de Martín Códax requería una gran responsabilidad, esa obra debía reflejar la frase que Newton populariza. Por eso, Mia irmana fremosa contiene elementos que encontramos en la música del s. XIV, algunos quizá algo descontextualizados a nivel geográfico, pero relevantes y en concordancia con la polifonía de la época. Aunque la obra original es monódica, mi trabajo es polifónico, por tanto, es lógico hacer guiños a la polifonía del XIV o incluso del s. XV.


Con respecto a mi lenguaje compositivo, me considero un compositor totalmente ecléctico, con un lenguaje más tonal, tradicional —o comercial si cabe—, y otro totalmente distinto; Mia irmana fremosa se encuadra en el primer tipo.

Dicho el párrafo anterior, la obra trabaja con parámetros contextuales desde la armonía, textura, melodía y ritmo. Los elementos medievales son adaptados al contexto actual, la idea de simbiosis o adaptación entre lo antiguo (nunca en tono peyorativo, los gigantes siguen siéndolo hoy en día) y lo actual está latente en este trabajo.


Por eso, a nivel rítmico encontramos hemiolias (en el contexto notacional se denominan sesquiálteras), realizadas como una constante motívica desde el principio de la obra. A nivel semiótico puede interpretarse como la constante del mar de Vigo; el mar nunca duerme, la hemiolia tampoco, concurre en los tempi más y menos rápidos. Esta hemiolia, materializada no como un 6/8 + 3/4 sino como un 6/8 + 2/4, forma una polimetría con el 5/4, ya que si contabilizamos las negras del 6/8 + 2/4 nos dan exactamente 5, como en el compás de 5/4. La razón de emplear un ritmo quinario es porque creemos que es frecuente en la música trovadoresca, de hecho, es habitual en algunas músicas populares. En todo caso, y sin tener que justificarlo todo a nivel histórico-notacional, el juego polimétrico es realmente encantador, ya que crea una atmósfera de gran interés musical. También vinculado con el ritmo, los ostinati son una alusión, por un lado, a las composiciones canónicas de la época, y por otro —y una vez más—, al mar y a su vaivén constante.


Mia irmana fremosa

En el aspecto armónico, he jugado con el elemento modal, existiendo una constante en el modo dórico, un modo que encontramos en infinidad de melodías medievales, incluyendo el ya conocido modo protus del canto llano. La polifonía se desarrolla con elementos actuales, tales como aquellos derivados de la armonía tonal (intercambio modal o cromatismo) y los derivados de formas más libres como el pandiatonismo (en un sentido amplio). En el aspecto melódico hay también guiños a compositores influyentes de la época como Francesco Landini, de ahí que se emplee la famosa cadencia que lleva el apellido de este compositor.


Por todo lo dicho, la obra intenta ser respetuosa con el producto (como dicen los cocineros), manteniendo los elementos de los gigantes —que tanto nos enseñan y nos han enseñado, entendiendo por tales, no solo a los compositores, sino a todo lo que rodea a éstos—                  y aunándolo con el elemento actual y personal.


A nivel más personal, el proceso de creación de la obra lleva un corolario de aprendizaje y satisfacción enorme, siempre con grandísimas dificultades y autocríticas constantes. Las dificultades se vinculan con mis inquietudes como investigador (es muy difícil combinar ambas disciplinas por la falta de tiempo) y la ausencia de ideas (falta de inspiración, que es muchas veces caprichosa). Por último, y en relación a la autocrítica, debemos ser conscientes que componiendo nos abrimos al mundo, y abrirse conlleva una gran responsabilidad que no siempre tenemos la sensación de haber cumplido.




Manuel Tizón


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